存在與意識之間的呢喃——專訪《布洛卡區》導演蘇明彥

前導：為什麼存在？

《普羅米修斯》、《Why Man Creates？》和《銀翼殺手2049》都引發了蘇明彥導演對「人」的好奇，思考人為什麼會被生下來？人類為何成為人類？把這些問題連結起來，最終就回到了人為什麼存在？也許是因為創造所以存在，存在的本身可能是在創造某些事物；回到創作上，或許也能套用相同理論，創作者的存在就是在創造某些東西。

而《布洛卡區》不只是導演對觀眾的訴說，更是導演對於影像的詮釋。身為觀者的我們，對於影片有相當多的疑惑，但對導演來說，「疑惑」正是創作者與觀者間的互動。此外，導演認為影像的想像沒有邊界，但同時也認為需要由人來定位。何謂真實？何謂影像？何謂「布洛卡區」？以下便是導演的分享。

從作品中思考意識

《布洛卡區》是啟發自十幾年前導演在精神病院當兵的經驗，許多病患都已失去意識，在寫下與意識相關的劇情片《解離》時，意外得知在大腦某一部份損壞會引發失語，便默默的把這個想法記下來。後來有機會拍紀錄片時，因緣際會接觸到矽膠娃娃店家的報導，聯繫後就很順利的取得店家同意拍攝。

不過，在拍攝《布洛卡區》前，導演沒有想過自己會再拍紀錄片。在拍攝第一部盲人朋友的紀錄片後，被攝者與拍攝者間的距離、關係以及內心想法的衝突，讓導演有一段時間都只願意拍劇情片。2015年拍完《Listen，Darling》後，導演一直有個困惑：當紀錄片記錄下真實的故事，那些展露在鏡頭下的一切，無疑是將被攝者最赤裸的人生血淋淋的透過銀幕攤在大眾面前，他們的那些不堪，都被影像記錄下來。那個在影展中獲得掌聲喝采的自己，反觀依然坐在街頭的盲人朋友，紀錄片到底為他們帶來了什麼？或是根本什麼都沒有？

直到《紀錄觀點》王派彰與鄭秉泓告訴他「你沒有這樣想，就不會這麼做」，自己的意識就像一面鏡子，投射出的就是心裡所想的樣子，「你若沒有想要剝削被攝者的想法，拍出來的東西就不會有那樣的感覺。」在透徹自己的內心想法後，拍攝上自然能夠比較放寬心，導演談到這次的新作，在拍攝時自己其實會刻意避開一些事情，不過那條界線永遠存在自己心中，要不斷地去提醒自己，因為不論是生活或是拍片本身，意識形態就深植在我們腦裡，無法輕易根除。

在拍攝《布洛卡區》的過程中，空間上是由遠而近、由外到內的進行：從走廊到辦公室、從辦公室到人物旁、再從無聲的空景到人物的呢喃日常，能見到導演一步步與被攝者建立的信任感，以及雙方的熟悉程度。然而，接下來的難題便是「是否要再進一步深入」與「是否要就此停機」，導演內心不斷地衡量與思考，在無數掙扎後，才有了我們現在所看到的作品。

創作是種直覺的反射，電影則是不斷提問的過程

導演向我們提到，在創作影片時並沒有特別去想要做成什麼樣的電影，他認為所謂「創作」是一種直覺的反射，是一種生活經驗的反芻。導演的思維與我們設想的大相逕庭，他並不會刻意思考觀眾怎麼想、是否能成功傳達訊息等等；相反的，他不喜歡被框架、不樂見過於直白的敘事，溫柔而隱晦的表達似乎才是其作風。

延續前述創作的思考，導演亦引用了台灣當代電影代表人物侯孝賢導演所說的「創作要背對觀眾」，在剪輯時，當導演認知到「敘事」有模糊化的空間，就會善加利用，以自身的觀點出發，不斷的將片段重新排列組合，思考訊息如何擺放，重新解構、敘事重組，將他近期的生活感悟與聯想到的子題緩緩融入其中。

真實源自於？

導演運用去熟悉化的方式，將觀者可能有共感之處模糊化，使其對此產生疑惑，但又帶有一絲熟悉感，觸發觀者的好奇心與更多反思。對於觀眾的觀後感，導演則認為「觀者的詮釋，就是他的詮釋」，無意直接回答觀眾提出的疑惑，「我覺得那個真實是每個觀眾看完的第一瞬間，或者是觀眾反芻過程中所得到的那個東西，即便是問號也好，那就是一個真實，那就是你自己詮釋出來的，而不是導演跟你講的。」就如紀錄片不會為任何一個問題提供解答，我們只能從中不斷地提問、再三的咀嚼，找到我們內心的「真實」。

或許《布洛卡區》最為迷人的地方，就在於交錯的影像與多元觀點的處理，開啟觀眾無限的想像力與創造力，讓真實的種子在觀眾的意識中萌芽。